A casca do ovo, pele mineral
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Em um autorretrato, Magritte observa um ovo à sua esquerda, enquanto na tela pinta um pássaro vistoso. É Bergman quem se vale do “ovo da serpente” para retratar o horror. Como um prenúncio do mal, o ovo incrusta-se na viscosidade do réptil. Ao ser quebrado, ele carrega consigo certa dimensão de origem. O ovo inerte, revestido de sua casca, inspira o mistério. Protegido de sua pele mineral, pode ser investido de distintas metáforas. O símbolo aparece, na referida pintura, como criação e revelação. Todo símbolo conjuga aparições ora vindouras e ora destrutivas.
Cronos e Kairós, os deuses do tempo, dançam aqui invisíveis; o primeiro devora os momentos, o segundo os suspende de forma perene. Na mítica caixa de Pandora, a curiosidade humana libertou não apenas desgraças, mas também a essência dos deuses temporais. Os símbolos, indeléveis, criam marcas na memória. A esperança, a última a emergir da caixa, funde o inexorável de Cronos com a eternidade de Kairós. É preciso destreinar o olhar da pressa em distinguir a figura do fundo. A profundidade da imagem pode ser menos ilusão aos olhos de quem a observa, do que feitiço e encantaria.
O repertório visual apresentado nesta mostra poderia ser organizado e aproximado, de algum modo, através da identificação da presença de seres antropomórficos, que surgem de uma espécie de hibridismo entre figura e fundo. No caso de Ana Luiza Domicent, há um certo esfumaçado na imagem por onde os seres-coisas aparecem, conformando visualidades muitas vezes detentoras de certo incômodo. Há algo que não está dado, como se precisássemos cavar com o olhar até chegar à determinada fatura da artista. A presença reiterada de uma bota, meio objeto e meio gente, sugere alguma relação do olhar com o
fetiche, do controle de um corpo sobre outro corpo. Gabriel Torggler exibe trabalhos feitos com aerógrafos – a técnica é capaz de fazer crescer as figuras. Aqui o gesto é de saturar o fundo o quanto for possível. Sua expressão, bastante gráfica, toma o espaço da superfície e se espraia, através da criação de seres humanoides, entre outras deformações, fazendo jus a uma iconografia de marcas de skate da década de 80.
Não parece exagero dizer que, como um todo, os artistas aqui se valem de uma paleta curiosa e estranha, como no caso de Gabriel Botta. O artista faz uso de pigmentos que são desenvolvidos de modo relativamente rústico e tradicional. Em sua produção, certa atmosfera new age e meditativa está presente, onde o jogo cromático cria como uma luminosidade na tela a envolver os seres que cria – por vezes aparições mitológicas, insuspeitamente arquetípicas, que se hibridizam entre formas marcadamente humanas e animais. A figura e o fundo, no caso, criam uma espécie de fusão a produzir uma energia luminosa e nova ao olhar de quem vê.
A casca do ovo preserva algo de conciso e preciso. Trata-se de uma exposição centrada na pintura figurativa; busca-se mostrar, talvez, os focos das três pesquisas e por onde elas são capazes de convergir. Aqui elas dançam com os deuses do tempo, tomando a casca, em sua dureza, enquanto uma conformação também mole, uma pele mineral capaz de suscitar e envolver os movimentos cromáticos e de luz – a assunção de determinados hibridismos que renascem como um Golem. Da palavra “gelem”, matéria-prima, ele nasce inofensivo, mas no decorrer surpreende, como uma serpente silenciosa da qual o bote não se anuncia. Estamos falando de misturas entre figura e fundo, mas também de volutas sucessivas, de um tempo anômalo: quando Torggler, em gesto quase tântrico e de repetição, faz tudo transformar na imagem; quando Botta expande a forma e cria labirinto no aceno cromático da pintura; quando Domicent, trazendo a massa que vira carne, explana o gesto como dobra - eis a revelação.
Daniela Avellar
Egg shell, mineral skin
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In a self-portrait, Magritte observes an egg to his left, while on the canvas he paints a striking bird. It is Bergman who employs the "serpent's egg" to depict horror. As a premonition of evil, the egg becomes embedded in the reptile’s viscosity. When broken, it carries with it a certain dimension of origin. The inert egg, encased in its shell, inspires mystery. Protected by its mineral skin, it can be imbued with various metaphors. In the mentioned painting, the symbol appears as both creation and revelation. Every symbol combines manifestations that are at times forthcoming and at others destructive.
Chronos and Kairos, the gods of time, dance here invisibly; the former devours moments, while the latter suspends them perpetually. In the mythical Pandora’s box, human curiosity unleashed not only misfortunes but also the essence of the temporal gods. Symbols, indelible, create imprints on memory. Hope, the last to emerge from the box, fuses the inexorable nature of Chronos with the eternity of Kairos. One must untrain the gaze from its haste to distinguish figure from background. The depth of the image may be less an illusion to the eyes of the beholder than a spell and enchantment.
The visual repertoire presented in this exhibition could be organized and connected, in some way, through the identification of anthropomorphic beings that emerge from a kind of hybridism between figure and background. In the case of Ana Luiza Domicent, there is a certain haziness in the image through which the being-things appear, forming visualities that often hold a sense of discomfort. There is something that is not immediately given, as if we need to dig with our gaze to reach a particular facture of the artist. The repeated presence of a boot—half object, half human—suggests a certain relationship between vision and fetish, between the control of one body over another. Gabriel Torggler presents works created with airbrushes—a technique capable of expanding figures. Here, the gesture is to saturate the background as much as possible. His highly graphic expression takes over the surface space and spreads, creating humanoid beings, among other distortions, echoing the iconography of 1980s skateboarding brands.
It does not seem an exaggeration to say that, as a whole, the artists here employ a curious and strange palette, as in the case of Gabriel Botta. The artist uses pigments developed in a relatively rustic and traditional manner. In his work, a certain New Age and meditative atmosphere is present, where the chromatic interplay creates a kind of luminosity on the canvas that envelops the beings he creates—at times mythological apparitions, unsuspectedly archetypal, blending human and animal forms. In this case, figure and background merge in a way that generates a luminous energy, offering a new experience to the viewer’s gaze.
The eggshell preserves something concise and precise. This is an exhibition centered on figurative painting, seeking to highlight the focal points of three artistic inquiries and the ways in which they converge. Here, they dance with the gods of time, taking the shell, in its hardness, as a form that is also malleable—a mineral skin capable of eliciting and enveloping chromatic and light movements—the assumption of certain hybridisms that are reborn like a Golem. From the word gelem, raw material, it is born harmless, but over time, it surprises—like a silent serpent whose strike is never announced. We are speaking of blends between figure and background, but also of successive volutes, of an anomalous time: when Torggler, in an almost tantric and repetitive gesture, transforms everything within the image; when Botta expands form and creates labyrinths within the chromatic gestures of his painting; when Domicent, bringing forth mass that turns into flesh, unfolds gesture as fold—here lies the revelation.
Daniela Avellar